Representación de la mujer en la cultura de medios de comunicación

A pesar de los cambios sociales en la participación de la mujer durante el transcurso de los años, la representación pública de los hombres y de las mujeres, sigue siendo desigual.

Se puede mostrar más fácilmente a través de un análisis de este trato en cuatro dimensiones: música, televisión, cine y videojuegos, es decir, vamos a intentar comparar la figura de la mujer, con la del hombre en cada uno de estos medios:

Televisión:

• A la mujer se la trata generalmente de forma superficial y sensacionalista, y a los hombres como modelos de referencia.
• Los hombres tienen mayor protagonismo y reconocimientos, en cambio a las mujeres se las invisibiliza o silencia.

Videojuegos:

• En los equipos de programación solo el 3% son mujeres y en los de diseño de videojuegos apenas sube al 11%.
• Principalmente a las mujeres o se las muestra como princesas débiles e indefensas o como objetos del deseo masculino, con curvas y proporciones exageradas.
• Las mujeres suelen representar papeles secundarios y tradicionales, como el de ama de casa.
• Es clara la postura patriarcal y la repetición esquemas estáticos, como la heteronormalidad.
• Esto se ve en nuestro producto cultural Origen cuando se le da a Mal (Mujer del protagonista) el papel de mujer loca y desquiciada tratándolo como algo “normal” “típico de las mujeres”.

Música:

• El Reggaeton está plagado de estereotipos de género.
• Hay cientos de miles de ejemplos de canciones sexistas que las ridiculizan y humillan.
• Todos estos medios, tienen un papel fundamental en la sociedad, influyendo en la opinión de los espectadores de estos, por ello hay que dejar de normalizar ciertas cosas para cambiar de forma significativa el pensamiento de la sociedad y así poder evitar todos los insultos, maltratos, silencios etc, que sufren las mujeres aún a día de hoy.

¿No crees que ya es hora de ir cambiando esto?

Corte Rancho o historias reales que derriban estereotipos sociales

Corte Rancho, es una especie de película documental creada por César González, donde se tratan temas sociales como la exclusión social, la pobreza, el arte callejero, la política , entre otros. 

Diferentes personajes cuentan su historia y la de sus familiares, y  además relatan como es la vida real en las Villas de la ciudad de Buenos Aires. 

Los vecinos del Barrio Carlos Gardel, mediante una serie de relatos y testimonios personales, quieren desmontar la falsedad de los medios de comunicación, respecto a la vida que viven en esas Villas, con una historia clara, nada victimista, y sincera. 

La idea principal, y el reto al que se enfrentaba su director, era encontrar a personas que fuesen naturales, auténticos para poder desmontar la serie de estereotipos de clase que la sociedad ha establecido a lo largo de los años, buscando así la reflexión de una sociedad inconsciente, además de visibilizar a través de historias  cotidianas los discursos eclipsados por falsos relatos donde se ridiculiza a los ciudadanos en situaciones específicas. 

Como ha declarado en diversas entrevistas, lo que buscaba el director era evitar la representación bizarra de los vecinos y el estereotipo de clases, pero sobre todo, apelar a la indignación de una sociedad ignorante frente a la realidad que se viven en distintos lugares del mundo, además de la importancia de la verificación de la información, antes de aceptarla como verdadera. 

Relacionado este film con nuestro producto cultural Origen, podemos ver como ambas producciones guardan relación, en la manera en la que Origen pone en la palestra temas como, la facilidad para inducir ideas o pensamientos en la gente, y que estos la consideren verídicas, o incluso propias, sin ser conscientes de la manipulación a la que se han sometido. 

Corte Rancho y Origen son producciones a primera impresión muy diferentes, sin embargo, critican estos temas de manera que las une en una misma crítica, la "facilidad" con la que podemos ser engañados y manipulados si no nos preocupamos por verificar la información, o al menos contrastar datos. 


A continuación, dejamos un enlace donde puedes encontrar el documental al completo. 

http://www.encuentro.ar/programas/serie/8535/6149

Bagdad Café, o la capacidad para romper los esquemas.

Bagdad Café, es una película cinematográfica de origen Alemán del año 1987, producida por Percy Adlon.

Se trata de una película con infinidad de reflexiones y pequeños detalles simbólicos, que narra cómo una mujer abandonada por su marido en medio del desierto, es capaz de encontrar su lugar en el mundo, sin necesidad de la figura de este mismo.

Esta mujer, a la que llaman Jasmin, comienza desde el cero absoluto, sin más posesiones que las propias que llevaba puestas, reflejando desde los primeros minutos, que a veces hay que dejar llevarnos por nuestro instinto y no dejar pasar las oportunidades, por muy difíciles o imposibles que parezcan.

Te hace reflexionar sobre nuestras expectativas y los estereotipos sociales que estamos acostumbrados a tener, del mismo modo que hizo nuestro producto cultural al no creer capaz a Ariadna (Arquitecta de Origen) de realizar un sueño perfecto, y como bien se ve en ambos casos, ninguno de los dos estereotipos fue así, sino todo lo contrario.

¿Qué sacamos en conclusión de todo esto?
A veces creemos que nuestra vida se va a regir en: casarnos, formar una familia y morir, y no siempre es así, puede que un día nos pase igual que a la protagonista y se rompan todos nuestros esquemas, tocándonos empezar de cero y tras luchar sin abandono, podremos conseguir una felicidad que los patrones establecidos no nos hubieran dado.

¿Qué es cultura?

Según Canclini, en el artículo: "cómo estudiar la cultura, si hay tantas definiciones", es muy difícil definir qué es cultura y qué no sin dejarse nada fuera. Hay un conjunto de variables, sociales, de procesos, contextos… que complica su acotación.

En relación con el artículo hay dos grandes esferas en torno a la cultura:

• La esfera del uso cotidiano: la que entiende la cultura como información, educación, percepciones estéticas. Una visión pragmática. Esta visión además nos diferencia lo que es cultura de lo que es civilización (civilización-mármol extraído de una cantera; cultura-una escultura de mármol).

• La esfera científica: se basa en la diferenciación de sociedad-cultura y naturaleza cultura entendiendo que existe el relativismo cultural. Esto significa que cada sociedad y cada contexto tiene sus propios códigos y significaciones. Aquí entra de llego las definiciones de Baudrillard(que hemos definido en un post anterior) sobre los tipos de valores siendo los dos primeros (uso y cambio) de carácter materialista y social y los dos últimos (signo y simbólico) provenientes de la cultura y la significación.

Por tanto desde el s. XX se vienen estudiando el concepto de cultura como un polígono con muchas caras y aristas: estamos hablando de que vivimos en multiculturalidad. Por tanto hay que entender la cultura como los procesos sociales de cada grupo.

En relación con Origen, y tras la lectura de este artículo nos surgen varias reflexiones. La primera podemos asociarla con la producción en sí misma de esta película. Nuestra cultura occidental (con todo lo que ello engloba) ha creado una ficción que refleja una sociedad ficticia que tienen sus elementos comunes y propios respecto a nosotros (los creadores). Entonces, ¿el contenido de las producciones puede variar de un grupo social a otro? Es decir ¿otra cultura podría haber imaginado una sociedad ficticia como la de Origen? Está claro que cada contexto tiene su propia ficción pero ¿pueden dos culturas llegar a la misma conclusión / resultado?

Otro aspecto que queremos comparar es la significación de los sueños respecto a nuestra cultura y la cultura de Origen. Entrando en el terreno de Baudrillard está claro que para nosotros los sueños tienen un valor muy distinto que los sueños de Origen. 

El valor de uso que nosotros damos a los sueños como algo personal e involuntario dista mucho del valor de uso que nuestros protagonistas tienen de estos entendiéndolos como un espacio laboral y manipulable. Sin embargo podemos observar en el papel de Dom Cobb que para él sus sueños tienen un valor simbólico, al igual que para nosotros, un sueño puede tener un valor simbólico (si lo recuerdas).

Con esto queremos entender que la cultura de Origen tiene puntos en común con la nuestra y puntos donde difieren en relación a los sueños (pareciendo a priori sociedades ‘parecidas’): mientras que compartimos los mismos valores de signo y simbólicos (los relacionados con la cultura y la significación) diferimos en los valores de uso y cambio (los relacionados con lo material y lo social).

Thelma & Louis, o cómo liderar la causa feminista en el cine.

Cartel de Thelma & Louise 

Thelma & Louis (1991) de Ridley Scott es una de las películas feministas de los años 90 por antonomasia. Fue una gran revolución del cine de los 90’s,  ya que defiende ideales feministas de una manera rotunda, algo que la hizo ser muy adelantada a sus tiempos. 

Esta película nos cuenta la historia de Thelma, una ama de casa con un perfil sumiso frente a las exigencias de su marido, un hombre posesivo, agresivo, muy amargado e irritable. Y Louise, quien es todo lo contrario a Thelma, es una mujer alegre, libre y resolutiva. 

Louise convence a Thelma para ir de viaje un fin de semana, con el objetivo de desconectar de la rutina de sus vidas, al principio Thelma se muestra indecisa, ya que no ha "pedido permiso" a su marido, a lo que Louis le increpa diciéndole que no es su padre, finalmente Thelma cansada de la tiranía de su marido, hace las maletas y se disponen a realizar el viaje que, en un giro desafortunado de los acontecimientos, llegará a cambiar sus vidas. 

Thelma & Louis es una película que, sin haberla visto antes, podrías pensar que es protagonizada por dos hombres, ya que posee todas las características de las películas de carretera, de ese momento, sin embargo, eso es lo que diferencia a esta producción de Ridley Scott de las demás, y por ello, después de 28 años de su estreno, es considerada una película de culto para el feminismo, por las siguientes razones que explicamos a continuación: 

• Una película de perfiles "masculinos", protagonizada por dos mujeres que reivindican el feminismo. 
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• Escrita por una mujer, y aún más importante, reconocida con un Óscar a mejor guión original, algo que en los 90 no ocurría por norma general. 
• La manera de relatar la realidad de la violencia de género, como es la violación que sufre Thelma, y la consecuente muerte del violador, o el maltrato psicológico a la que es sometida Thelma por su marido. 

Para finalizar, Thelma & Louise no posee un final feliz o típico de las películas de producción americana, el final simbólico, y, con el suicidio de ambas, dejan muchos frentes abiertos que dan para debatir horas y horas, sin embargo, nos podemos quedar con la reflexión que nos deja con temas como la violencia de género, el empoderamiento femenino, reivindicación social, entre otros. 

Te doy mis ojos: ¿Una historia de miedo o de amor?

Cartel de Te doy mis ojos 

Te doy mis ojos (2003) es una película dirigida por la cineasta Iciar Boallín, donde aborda un problema social latente en la actualidad, la violencia de género. 

Te doy mis ojos nos cuenta la historia de Pilar (protagonizada por la actriz Laia Marull), quien está casada con Antonio (Luis Tossar), su marido maltratador. Juntos tienen un hijo pequeño que es consciente de todo lo que ocurre, y lo manifiesta de manera muy sutil, durante toda la película. Pilar y Antonio conforman un matrimonio tradicional e idílico, de puertas para afuera. 

También nos muestra la visión de personajes como el de Ana, hermana de Pilar, quien constantemente intenta hacer entender a su hermana de que lo que le ocurre no es normal, e intenta ayudarla; la visión de la madre de ambas, Aurora, quien también sufrió malos tratos, y constantemente justifica las acciones de Antonio. Y, la de otros personajes que dan sentido, de cierta manera, a la historia. 

A lo largo de la película podemos ver múltiples escenas donde se palpa la constante lucha de Pilar consigo misma, por descubrir quién es y, por otro lado, la esperanza de de un posible cambio de actitud de Antonio, razón principal por la que perdona todas sus agresiones. 

Iciar Boallín nos sumerge en una historia en la cual nos hace plantearnos constantemente las siguientes cuestiones: ¿Por qué Pilar sigue al lado de un hombre que la maltrata, tanto física como psicológicamente?, ¿Por qué no se marcha definitivamente de casa con su hijo?, ¿No puede empezar de cero?, ¿Qué la detiene?,¿Por qué se niega a aceptar que su matrimonio ha fracasado?, ¿Por qué no rompe el circulo de violencia en el que está envuelta? 

Escena de Te doy mis ojos

Generalmente, existen muchos factores por lo que las mujeres maltratadas aceptan esas situaciones, y suelen estar relacionadas con la dependencia económica o la dependencia emocional. Sin embargo, la verdadera razón por la que Pilar aguanta y perdona esa violencia, es la esperanza que tiene de que Antonio cambie, que vuelva a ser el hombre del que ella se enamoró.

Existe numerosos artículos donde distintos autores denominan este momento como la fase de la luna de miel, un momento de arrepentimiento por parte del agresor, quien se demuestra abatido y apenado con la situación que ha provocado, pero que no admite completamente su culpa, y que con regalos y promesas de cambio intenta retractarse, en el caso de Antonio, pidió ayuda a profesionales, para poder controlar su ira. 

Te doy mis ojos, es una película cargada de simbolismos relacionados con el final de una relación basada en la tradición, cuando en un momento de frustración tira su vestido de novia por la ventana y este queda suspendido en unos cables; o la falta de concienciación, cuando al principio de la película Pilar huye de casa en zapatillas, y lo único que le preocupa es haber salido en zapatillas, y no en la causa que le hace huir de es manera.

Para finalizar esta entrada dejamos a continuación un enlace a una entrevista a Iciar Boallín, por el 30º aniversario de su carrera profesional, habla de sus películas más premiadas, entre ellas la que hemos comentado en este blog. 

https://elpais.com/diario/2012/01/15/eps/1326612413_850215.html

Átame: ¿Violencia machista basada en el dominio y la sumisión?

Cartel de la película Átame 

Átame, de Pedro Almodóvar es una película que se estrenó en 1990 con Antonio Banderas y Victoria Abril como los flamantes protagonistas, además de un reparto lleno de caras conocidas como son Loles León, Rosy de Palma, entre otras. 

Átame, es una película que en la actualidad, tal y como se encuentra el panorama social, tan sensibilizado con la causa feminista, sería considerada machista y, que justicia en cierta manera, la violencia de género, pero sobre todo, que victimiza a los personajes cuyo comportamiento es negativo, como es el caso de Ricky. 

Se trata de un drama con “tintes de comedia” según la crítica, sin embargo, podemos decir claramente, que de comedia tiene mas bien poco, ya que, partiendo desde un criterio personal, Átame nos ha resultado una película oscura y algo siniestra, tirando mas a ser un thriller, que una película romántica. 

Escena de la película Átame

Almodóvar es un director muy particular, pero sobre todo muy criticado por la manera de plasmar a los personajes femeninos,(sobre todo en sus primeras películas), siendo más simples comparados con la fuerza de los personajes masculinos, pero en este caso, fue criticado por tratar temas como el secuestro y el Síndrome de Estocolmo de una manera tan banal, ya que justifica que un loco recién salido de rehabilitación secuestre a una mujer para que se enamore de él y así formar una familia, reforzando la idea de que el fin justifica los medios. 

En la actualidad aún encontramos películas de ese estilo aunque camufladas en el género romántico, como es la saga de Cincuenta Sombras de Grey, que a grandes rasgos, se ve como un personaje masculino se “enamora” de la inocencia que desprende una chica, de aspecto débil y aparentemente indefensa en el mundo, a la cual quiere seducir y poseerla para hacerla su sumisa, todo ello justificado en un problema o trauma infantil del protagonista. 

Al igual se ve en Átame, esa violencia justificada, de hecho, podría decirse que en ésta película existe un ganador, premiado, y es el maltratador. Siempre ganan ellos. 

¿Sabes de lo que hablas cuando lo llamas "violencia"?

Lo primero que pensamos cuando hablamos de violencia de género, es la violencia física generalmente a una mujer por un hombre, pero se trata de algo mucho más complejo.

Las primeras definiciones que se conocen, tienen que ver con las relaciones de poder en la que prima la dominación del hombre sobre la mujer.

Pierre Bourdieu habla sobre este tema en el artículo: "Violencia de género, violencia simbólica, lenguaje y representación", diciendo que a veces, son las mismas mujeres las que aplican la dominación en las que están atrapadas, es decir, que a pesar de ser las mujeres las que reciben la relación de poder, lo aceptan e incluso lo predican y esto se debe a el tipo de representaciones culturales que les han inculcado, el tipo de lenguaje, estructuras sociales, ideales etc, por lo que cuando hablamos de violencia de género, también estamos hablando de violencia cultural, simbólica y estructural, generalmente a través de comportamientos corporales o esquemas perceptivos, de apreciación y de acción.

En nuestro producto cultural, se ve tanto violencia física como psicológica, pero al revés de como estamos acostumbrados a observar, es decir, esta es producida por el personaje femenino hacia el masculino. Mal, la mujer del personaje principal, se mete constantemente en su sueños para convencerle de que “está soñando” y que se tiene que suicidar, al igual que hizo ella, para poder estar juntos, incluso ejerciendo la violencia física en varias escenas, resultándonos “novesoso” en cierto modo este cambio de actitud y pensamiento por parte del cine.

Heroínas o brujas, asi estereotipan a las mujeres en el cine.

En el artículo de ésta semana, denominado Heroínas, Brujas y Vampiras del cine fantástico: una aproximación ecofeminista(Navarro, E), encontramos una serie de ideas y conceptos que parten de la relación que se ha establecido entre hombres y mujeres en el cine de los años 80, entendiendo su origen en los relatos clásicos.

Villanas de cuentos clásicos

Para llevar a cabo este análisis, nos vamos a quedar con una idea específica, la de cultura, naturaleza y mujeres, ya que respecto a nuestro producto cultural, Origen, guardan mas relación.  

Como explica el artículo, cultura y naturaleza, es la oposición que se ha utilizado en la cultura moderna para definir que rol es asociado con cada género.

Durante mucho tiempo, la sociedad ha otorgado funciones a las mujeres que la asocian al concepto de naturaleza, que se definen en ser raíz, seno, vientre, origen de la vida, y también salvajes, exóticas, peligrosas y necias, que necesitan un control, algo contra lo que hay que luchar. 

Mientras, que el concepto cultura ha sido asignado a los hombres, es decir, son la razón, el progreso, que suaviza y endulza la rebeldía de la naturaleza. 

Esta distinción que hacen entre mujer/naturaleza, y hombre/cultura, tiene base en la capacidad reproductora de las mujeres, mientras que la definición de los hombres, tiene sentido respecto al rol del hombre como dominador, de la naturaleza (mujer). 

Esto nos hace reflexionar acerca de la aniquilación simbólica que sufren las mujeres frente a los hombres. Esta aniquilación tiene sentido en tanto que se trata de una situación generalizada de marginación, opresión y subordinación como algo natural, algo propio de una cultura menos civilizada y desarrollada.

Escena del Diablo viste de Prada, cuyo personaje es un icono de poderío femenino.  

En el cine actual estamos acostumbrados a ver estas distinciones de manera natural, y aceptarlas como algo común y normal, aceptamos los roles femeninos de mujeres que se dedican íntegramente a su familia, cuidadoras y responsables de ella, y consideramos mal si no lo hacen, sin embargo, también vemos otro rol, el seductor, que precisamente es el que encaja con la protagonista de Origen, Mallorie Cobb, pero es un rol negativo y peyorativo. 

Nuestra protagonista Mal Cobb es una mujer fuerte, pero el perfil que se muestra en la película de Nolan, es el salvaje, descontrolado, rozando la locura, y es la “enemiga a abatir”, que manipula a su marido, como podemos ver, todo es negativo, de hecho, el apodo que tiene en el film es La Sombra. Durante todo el film, Dom busca controlarla, tenerla tranquila, dominada. 

Escenas de Mal Cobb en Origen

Podemos ver como el pensamiento patriarcal domina claramente todas las producciones cinematográficas en la actualidad, es algo con lo que tenemos que convivir diariamente, y pese que han sido conceptos y asociaciones creadas en sociedad y en una ideología específica, no logramos cambiar estas percepciones de manera rotunda. 

Sólo los amantes sobreviven: ¿Una película de vampiros poco convencional?

Sólo los amantes sobreviven se estrenó el 12 de diciembre de 2013 por el cineasta Jim Jarmusch, conocido mundialmente por su carácter independiente en películas norteamericanas en su mayoría.

Se trata de un film nostálgico y romántico que reivindica la infravaloración que le damos a las cosas, a pesar de su calidad, como un signo del propio posmodernismo. Todas las escenas están cargadas de alto nivel cultural tanto literario, artístico, musical etc. Esto se ve por ejemplo en las casas de los personajes; la de ella (Eve) está colmada de libros de los grandes artistas literarios de la historia, en cambio en la de Ian es la música, con sus guitarras de edición limitada o el mural de artistas de todos los géneros que tiene en la pared.

Los personajes constantemente hacen críticas a la actualidad empezando por el nombre despectivo que les dan a los humanos, “Zombies”, hasta la manera de rememorar el pasado que compartieron con los grandes protagonistas de la Historia, haciéndoles como una especie de homenaje a una cultura que, hoy, se percibe en decadencia.

En contraste con nuestro producto cultural, hay una escena en concreto en la que los personajes principales van a una especie de tienda en la que la gente va a “soñar”, puesto que para ellos la realidad es como una pesadilla y el sueño es la única manera de ser felices.

De un cierto modo, ​christopher Nolan, (director de Origen) ​hace también una crítica a la realidad que estamos viviendo, en la que la gente prefiere vivir una mentira a la propia verdad.

La bicicleta verde, una película llena de simbolismos.

La bicicleta verde

La bicicleta verde es una producción cinematográfica de 2012, del director Haifaa al-Mansour, cuya trama principal, es la historia de una niña llamada Wadjda, que quería conseguir una bicicleta para poder hacer una carrera con su mejor amigo, a pesar de que en su cultura estaba mal visto.

Este personaje refleja claramente su poco interés por la estética dominante, del resto de niñas de su comunidad, a parte de una potente feminidad, viéndose sobre todo en su forma de vestir, llevando por debajo pantalones vaqueros, zapatillas y camisetas de colores vivos.

Vive en una estructura social en la que los hombres son la figura principal de todo, y a la que hay que rendir pleitesía, representando la bicicleta, un acto de rebeldía y desacuerdo, ante esta “forma de vida”.

Esto también se ve en nuestro producto cultural (la película Origen) cuando Ariadna se arriesga a entrar en una cuarta dimensión del sueño (siendo esto extremadamente peligroso e incluso ser prohibido por la figura de un hombre), para poder conseguir su objetivo.

El papel de las mujeres en el cine ha cambiado, ya no son personajes secundarios, ahora ellas lideran la película, eliminando por fin el estereotipo de doncella frágil y delicada como por ejemplo en los escritos de los hermanos Grimm o similares. Cierto es que todavía queda mucho camino por allanar pero al menos nos consuela ver progresos como estos, y esperamos que algún día se normalice no solo en el cine, sino también en la realidad.

Las Kellys, desvaloradas y silenciadas.

Organizar lo imposible.

Es un documental activista que cuenta la historia de las Kellys, mujeres de la limpieza de los hoteles injustamente desvaloradas y silenciadas. Esta producción fue desarrollada por Tonina Matamalas y Carme Gomila Espanya junto al colectivo.

En este documental se observa como las limpiadoras cuentan su día a día: estrés, falta de comprensión y conciliación, trabajos abusivos y cómo la limpieza es un ‘problema’ que se pasan de unas a otras a costa de la salud.

Llama la atención como un trabajo tan importante y que dice tanto sobre un establecimiento sea tan poco valorado. Mucho más en un hotel donde la falta de limpieza equivale a la ruina. En este trabajo se muestra a las Kellys, que trabajan en los hoteles, pero el relato es extensible a todas las personas que se dedican al servicio de limpieza (e incluso otro tipo de profesiones). Tenemos como sociedad el tremendo defecto de desmerecer los trabajos que no queremos hacer: barrenderxs, limpiadorxs, cuidadorxs, agricultorxs...

El auténtico problema desde nuestro punto de vista no es la visibilidad del trabajo (que no está de más que sea reconocida) sino la calidad del empleo y cómo se aprovechan de la situación de las mujeres para que acepten este trabajo jugándose su propia salud. Por ello este colectivo reclama, muy justamente, sus derechos a través de esta producción.

No es el caso de nuestra protagonista en Origen. Su papel como arquitecta forma una parte fundamental en la trama y tiene una relevancia especial en la historia. No sería una Kelly.

Para concluir queremos señalar un aspecto que nos llama poderosamente la atención: parece que este documental, como tantos otros feministas, los realizan mujeres en su mayoría. Y para nada está mal pero nos hacemos la inevitable pregunta de ¿por qué este documental no lo ha realizado un hombre? ¿Acaso como ésta es una lucha de limpiadoras y no les toca no se implican? ¿Un hombre puede realizar un buena producción feminista en cualquiera de sus formatos?

#Cineforum: Nuestro granito de arena

Sufragistas

Siguiendo con la temática del 8M de la entrada anterior, vamos a hablar también de un género cinematográfico de referencia sobre este día tan significativo, la película​ Sufragistas.

Cartel de la película Sufragistas

Se trata de una producción cinematográfica británica de 2015, de la mano de Sarah Gavron, centrada en el comienzo de las participaciones a favor del sufragio femenino, durante el siglo XIX y principios del XX, en Londres. Sobre la cual es importante señalar, que toma como referencia a una de las lideres activistas políticas del movimiento que luchó por el derecho al voto femenino, más importantes de esa época,​ Emmeline Pankhurst.

Como resumen, se podrían destacar tres puntos claves:

• La injusticia que está ocurriendo en ese momento y que se arrastraba de años atrás.
• El poder simbólico, de organización y compromiso de las personas que quieren cambiar la situación estando dispuestas incluso a morir solo por ser oídas.
• La progresiva evolución, gracias al resultado de las acciones del movimiento.

Gracias a estas mujeres, a día de hoy el sector femenino puede votar, puede trabajar y puede acceder a unos derechos igualitarios tanto para hombres, como para mujeres, viéndose incluso en nuestro producto cultural (Origen), cuando una de las arquitectas, es mujer, y trabaja igual o incluso mejor que sus compañeros hombres. Sin embargo, esto no es del todo perfecto, todavía encontraremos hay injusticias como:

• Sueldos desequilibrados, favoreciendo al sector masculino.
• Trabajos no cotizados en la seguridad social, como son todos aquellos de limpieza de hogares, que generalmente realizan las mujeres.
• Un porcentaje de paro mayor en mujeres, entre otras cosas.

Es por ello, que en este blog queremos aportar nuestro granito de arena, pidiéndoles a todos nuestros lectores y lectoras, que no solo veáis la película Sufragistas, sino que si os encontráis en una situación de injusticia como las que anteriormente hemos mencionado y podéis hacer algo al respecto para solucionarlo, hacedlo.