La pornografía de la muerte y producción cultural en el contexto digital

En esta entrada reflexionaremos a cerca de Origen y el artículo Ante la imagen de los demás: pornografía de la muerte y producción cultural en el contexto digital, escrito por Eva Navarro.

La fotografía y el vídeo son armas del siglo XXI. Se puede crear un contenido inédito, pero al final, el emisor y el receptor son el creador del negativo. Desde el "click" de la cámara, se puede manipular la imagen real, creando reinterpretaciones de esa fotografía. 

Actualmente, la gente con acceso a internet, cuenta con material necesario para consumir contenidos de distinta índole, en los que se incluye la violencia, la guerra, la tortura, etc. Como señala Eva Navarro, estamos expuestos a un "gran escaparate, en el que las fronteras entre público y privado, y entre la dignidad de los sujetos representados y su conversión en objetos queda totalmente abolida".

En Origen encontramos escenas violentas, pero al saber que son ficticias, reaccionamos como si fuera algo cotidiano y normal. Un abrazo, salvando las distancias, se ve igual de natural que una escena violenta, ya no impacta de la misma manera que podría impactar siglos atrás. 
Para nosotros no muestra literalmente la pornografía de la muerte, ya que no muestra imágenes reales. Si nos centramos en el porno, como producto de consumo de películas y acciones ficticias, en este caso Origen sí que representa la pornografía. Muestra acciones violentas, a las cuales el espectador no muestra rechazo, e incluso le gustan.

A lo largo de la historia de la cultura se ha realizado arte que representa la violencia. Artistas como Goya, el Bosco, Botero o Picasso, han representado imágenes violentas, consideradas como arte. En este caso es ficción, pero la polémica viene cuando las fotografías reales se consideran arte. Las fotografías se exponen bajo dos pilares: la libertad de expresión y su "carácter pedagógico" (Navarro, 2013).

Podemos considerar estas obras como arte; pero no se delimita hasta qué punto la muerte y el sufrimiento real, son consideras arte. ¿La ficción supera a la realidad, o la realidad supera la ficción? 

Ambiciones y adicciones.

Requiem por un sueño.

Requiem por un sueño es un producto cinematográfico del año 2000, producida por el director Darren Aronofsky, el la que se tratan temas como: la adicción o el telesueño (televisión como falsa terapia).

La película no es sencilla, ni agradable de ver, aun así, es indispensable para comprender lo que el ser humano es capaz de hacer para engañarse a sí mismo sobre la realidad.

Ellos mismos se dicen que no están enganchados, pero siguen consumiendo hasta destruir todo lo que les caracteriza de ser humanos. Les quita la dignidad, les quita la cordura e incluso les quita su propia forma de ser.

Al igual que en nuestro producto cultural, cuando se muestra a Mal, confusa de si se encuentra en la realidad o en el sueño, hasta tal punto de quitarse la vida para comprobarlo.

Desde un punto de vista más analítico, tanto Requiem por un sueño, como Origen, están plagadas de elementos neobarrocos como: el sistema cruel y represivo contra los débiles, disfrazado del espectáculo mediático, en el caso de Requiem,  o la cantidad abusiva de planos y escenas, la velocidad de las cámaras o el claroscuro, que se ve en ambas, haciendo que te sumerjas en las películas sin querer perderte ni una escena.

¿Difunden ideas y valores, siendo esto otro claro ejemplo del neobarroco? la respuesta en un sí rotundo, queriendo mostrar un lado de la vida fuera de lo común o de la realidad ideológica que todos tenemos en mente.

 

Imagen 1: Requiem por un sueño.

Imagen 2: Origen.

También en ambas se juega con la intertextualidad, siendo en nuestro producto cultural, un sueño dentro de otro sueño y si hablamos de Requiem, es la televisión dentro de la misma.

Ambas son obras que no te dejan indiferente, cierto es, que una es más ciencia ficción (Origen) y la otra es la realidad en sí (Requiem por un sueño), por lo que empatizas más con la segunda, pero en nuestra opinión, son ambas muy indispensables para poder reflexionar y crear una idea sobre la vida.

#NoTeCuestaNada

Publicidad de Guerrilla 

El marketing o publicidad de guerrilla es una estrategia publicitaria que se vale de técnicas publicitarias poco convencionales, es decir, gracias a soportes poco comunes, y mediante un importante factor sorpresa, hacen que la acción impacte en el consumidor. 

Este tipo de campañas requieren de una inversión mínima, consiguiendo así una máxima difusión mediática a través de ellas.

Cuando nos encontramos con el reto de realizar una acción de guerrilla para la asignatura de Teoría Crítica de la Cultura, nos vimos en la tesitura de pensar en una acción que cumpliese con la descripción del inicio, pero que además mejorase o ayudase a cambiar algún mal hábito latente en nuestra facultad, la limpieza del Campus María Zambrano (Segovia).

Para llevarla a cabo nos pusimos en contacto con las encargadas de la limpieza e intentamos que nos dieran su visión acerca de la situación en la que se encontraban actualmente respecto a la limpieza del Campus.

Cámara en mano y en una especie de conversación informal, y no una entrevista guionizada, nos contaron una serie de circunstancias en las que se habían visto envueltas a lo largo de los años, por culpa de la falta de respeto y educación de muchos de los estudiantes.

Ante el terrible escenario en el que nos encontramos, y con los testimonios de las limpiadoras decidimos, aún con mas ganas, hacer una acción que llamase a la reflexión, consideración, pero sobre todo, al respeto de los estudiantes, hacia las personas que día a día, mañana a mañana, trabajan por dejar una facultad limpia, y en condiciones para que todos sus usuarios disfruten de ella.

En concreto, nuestra técnica de guerrilla es lo que se denomina ambient marketing, que consiste en elegir un lugar de gran afluencia de público, y transformarlo o modificarlo para transmitir nuestra publicidad mediante el.

Para ello diseñamos una serie de mensajes, los cuales hacían referencia a míticas frases de películas a las que adaptamos el copy a temas relacionados con limpiar, o ser mas limpio. Todo ello encerrado en un eslogan, que se adapto al hashtag de la campaña: No te cuesta nada.

Haciendo alusión a que no te cuesta nada tirar tu basura en la papelera, no te cuesta nada recoger un papel del suelo, o simplemente no te cuesta nada mantener los espacios limpios, tal y como te los encontraste.

Para el soporte del mensaje, diseñamos una especie de colgadores, o carteles percha para los cuales, nos inspiramos en el logotipo de las kellys.

Además, para reforzar esta campaña hicimos un vídeo demostrando el desarrollo de la acción, desde la colocación de los colgadores, hasta la interacción del público al verlas por toda la universidad.

Vídeo de la acción de guerrilla. 

Para finalizar, consideramos que esta campaña nos ha servido para conocer, entre otras cosas, las duras condiciones en las que tienen que trabajarlas encargadas de la limpieza, además de la poca empatía y respeto que la gente tiene hacia su trabajo digno, pero escasamente reconocido y valorado. 

Metrópolis

Metrópolis esta considerada una obra maestra del cine de ciencia ficción de todos los tiempos. Estrenada en 1927 y dirigida por Fritz Lang sentó un precedente en la producción de películas fantásticas y una influencia que ha llegado hasta nuestros días.

La película esta ambientada en un mundo futurista del año 2026 (muy lejos del contexto en el que se produjo la película) que muestra una sociedad clasista, decadente y en crisis. Hay dos mundos muy separados dentro de la película: la clase dominante que vive en la superficie, y la clase de los trabajadores que vive bajo tierra. Bajo una historia de amor Freder, hijo del amo de la ciudad, se enamora perdidamente de María, que pertenece al mundo de los obreros, y al observar su mundo y sobre todo la indiferencia de su padre por las desigualdades se une a la causa de María. Tras una suplantación de María por un robot maligno la historia se desenvuelve en la clásica lucha de clases envuelta de revoluciones, traiciones, discordia y lucha contra la esclavitud.

Un aspecto muy curioso de esta película, lejos del análisis propio del metraje, es conocer la intrahistoria del director, la guionista (que también es su mujer) y el contexto histórico que viven ambos.

Fritz y Thea von Harbou fueron un matrimonio partido por el auge del nacionalsocialismo de Alemania. Thea, que era muy afín a las ideas del nazismo, imprimió en Metrópolis la situación y el desafío tecnológico que habría de enfrentar en el futuro la Alemania nazi en cuestiones científicas, morales y políticas. Fritz, tras rechazar trabajar para Goebbels tuvo que huir de Alemania por su ascendencia judía e incluso llegó a renegar de la película.

A pesar de lo lejos que puede estar la ideología nazi de nuestro pensamiento no hay que quitar un ápice de genialidad a la obra creada por ambos por lo adelantado a su tiempo y la compleja trama de la historia.

Revisando los papeles de los protagonistas de la película observamos que prácticamente se han tocado todos los palos del mundo que hoy nos rodea: personajes tiranos, indiferentes, revolucionarios, mujer fatal (a pesar de ser robótica), mujer sumisa y creyente, Mesías... Es inmumerable la cantidad de roles y actitudes que se aprecian en esta película.

En el contexto de hoy en día y en comparación con Origen podemos observar un paralelismo entre los papeles de las mujer co-protagonistas. Ambas comparten un papel activo en la narrativa de la película pero no gira la historia en torno a ellas. Al fin y al cabo desde una perspectiva fría, no son más que un objeto conductor para la historia donde el protagonista y el 'mesías' acaba siendo el hombre-protagonista.

La intertextualidad: Origen

En esta entrada vamos a hablar de la intertextualidad en la película Origen. Este término se utiliza para referenciar una obra en otra obra. A lo largo de la película, podemos ver algunas referencias a continuación.

1. Non, Je ne regrette rien, la canciñon de Edith Piaf, se utiliza en la película como señal para que regresen de sus sueños. El significado de esta canción es lamentarse por la pérdida o muerte de alguien, lo que evoca al estado de ánimo contínuo del protagonista y la pérdida de su mujer.
Además, esta canción tiene una duración en minutos que la película en horas, 2:28.

2. Arquitectura paradójica. La escalera de Pernose es una ilusión óptica, creada por los matemáticos Pernose en 1958. Es una escalera que sube y baja a la vez de manera infinita. Es utilizada en iuna de las escenas de la película. 

Otro referente de la arquitectura paradógica es Escher, quien trata de confundir al espectador mediante tratamientos de la geometría y la perspectiva que son irreales, pero que aparentan normalidad. Este planteamiento está continuamente en la película, creando  nuevos espacios que son irreales, pero que aparentemente entran dentro de la normalidad del sujeto que está soñando.

3. Muerte y agua. Muchas obras muestran relación entre el agua, y la vida y la muerte. En el romanticismo, las mujeres se suicidaban cortándose las venas y bañándose en agua tibia. El agua juega ese doble sentido, la posibilidad de matarte y a su vez mantenerte vivo. Por ello vemos una intertextualidad entre la salvación de quedarse en el sueño permanente o morir, utilizando una bañera para la salvación del soñador.

4. Espejos. En nuestro producto cultural hay una escena que remite a otra de Ciudadano Kane. En ambos planos de las dos películas, se muestra a los protagonistas duplicados indefinidamente. Con los espejos, la película reflexiona a cerca de la cantidad de mundos infinitos que hay en una misma realidad, lo que refuerza la idea del sueño.

5. La vida es sueño, Calderón de la Barca. También vemos cierta intertextualidad con esta gran obra literaria. A veces es difícil diferenciar un sueño de la realidad. E incluso sabiendo que estamos dentro de un sueño, no somos capaces de despertar. También, somos más agresivos e irracionales en los sueños. Si se sabe que es un sueño o una ficción, no tenemos ningún problema con hacer cosas inmorales, cosas que no haríamos en la vida real.

Sueña el rey que es rey, y vive
con este engaño mandando,
disponiendo y gobernando;
y este aplauso, que recibe
prestado, en el viento escribe,
y en cenizas le convierte
la muerte, ¡desdicha fuerte!
¿Que hay quien intente reinar,
viendo que ha de despertar
en el sueño de la muerte?

Sueña el rico en su riqueza,

que más cuidados le ofrece;

sueña el pobre que padece

su miseria y su pobreza;

sueña el que a medrar empieza,

sueña el que afana y pretende,

sueña el que agravia y ofende,

y en el mundo, en conclusión,

todos sueñan lo que son,

aunque ninguno lo entiende.

Yo sueño que estoy aquí

destas prisiones cargado,

y soñé que en otro estado

más lisonjero me vi.

¿Qué es la vida? Un frenesí.

¿Qué es la vida? Una ilusión,

una sombra, una ficción,

y el mayor bien es pequeño:

que toda la vida es sueño,

y los sueños, sueños son.

Estas son algunas de las intertextualidades que hemos encontrado en Origen. La intertextualidad es la absorción o transformación de otras obras o ideas ya existentes, y la cultura está repleta de ellas. Si se vuelve a analizar la película, y si lo analizan otras personas diferentes, se encontrarían más referencias.

Y tú, ¿Te atreves a adentrarte en el mundo de la intertextualidad en Origen?

¿Libertad o dominación?

Ideología, representación y hegemonía.

Es importante saber un poco de todo en la vida, y más cuando es algo que nos afecta personalmente, por lo que vamos dar unas pequeñas píldoras de qué es: la ideología, la representación y la hegemonía, mezclándolo con nuestro producto cultural.

La representación nos identifica como grupos sociales, y como tal, tenemos un pensamiento colectivo, creencias, sentimientos y forma de entender el mundo similar, siendo las ideologías las que influencian al servicio de los intereses de la clase.

Según Teun Van Dijk en su libro: “ideología y discurso”, la ideología es un marco básico, que organiza, procesa, almacena y amplía, la información que recibimos sobre otras personas o situaciones sociales. Es decir, es común ver el mismo tipo de pensamiento en personas que pertenecen a la misma clase social, puesto que ha sido la ideología de esta, la que ha moldeado hasta llegar a este pensamiento colectivo, por ello en Origen, se ve que todos los que se encargan de idear el sueño, tiene un pensamiento similar, al pertenecer a una clase social parecida y haber obtenido una educación de igualdad de condiciones.

y… ¿Hegemonía?.

La Hegemonía es un término introducido por A. Gramsci para analizar las clases sociales y la superestructura, proponiendo que las normas eran establecidas por la clase dominante y percibidas como una construcción social e instrumento de dominación.

Dominación basada en el “dominio intelectual y moral” apoyado en los medios y la producción cultural (masiva), jugando con el rol político, económico e ideológico en la sociedad.

Nuestro producto cultural no es precisamente una película que trate mucho el tema político, pero si hay una escena en concreto que muestra cómo se encuentra la sociedad.

En esta escena se ve como los personajes llegan a una tienda clandestina donde la gente ha pagado por poder soñar y crear su propio mundo, ya que el de fuera es tan corrupto y desigualitario, que no les interesa vivir en él, utilizando las máquinas de sueño como una vía de escape de este.

Se podría decir que con esas máquinas de sueños crean su propio mundo sin ideología, ni hegemonía, puesto que no existirían clases dominantes, ni medios de comunicación, ni producción cultural masiva, ni nada por el estilo, solo la propia libertad de una mismo.

Terminamos esta entrada  dejando una pregunta abierta para hacer reflexionar a todo el que lo lea: ¿Os gustaría poder vivir en un mundo en el que tienes libertad de creación, sin sufrir ninguna clase de manipulación, control o dominación?.

Pride: sin prejuicios, es más fácil

Pride 🏳️‍🌈

Pride es una película de 2014, dirigida por Matthew Warchus, en Reino Unido, cuya trama principal narra cómo un grupo de gays y lesbianas se unen con el partido minero para luchar por sus derechos y mejoras en las condiciones de vida.

Esta película transcurre en 1984, cuando los mineros se ponen en huelga bajo el mandato de Margaret Thatcher, siendo un grupo de gays y lesbianas los que deciden ayudarles a través de una recaudación, puesto que se sienten identificados ante la injusticia que están viviendo.

Es aquí cuando surge el problema, puesto que los altos cargos del partido minero están llenos de prejuicios ante la comunidad gay y deciden no aceptar el dinero. La comunidad gay, no se rinde y acaba consiguiendo que acepten el dinero y este pueda salir de las terribles condiciones en las que se encontraban.

  

Pride, está basada en hechos reales ante un conflicto político y social de los mineros y los homoxesuales que se vivió en esta época y cómo fueron capaces de limar las asperezas y crear una unión de fuerza y solidaridad por una lucha común, los derechos propios de las personas.

Muy recomendable para poder ver cómo a veces nuestros prejuicios nos hacen nublar el juicio y rechazar una ayuda incondicional que lo único que pretende es mejorar tu vida.

Isabel Coixet: mujer cineasta, exitosa, empoderada y feminista.

Isabel Coixet

A todos nos suena el nombre de Isabel Coixet, cineasta catalana y hollywoodense más exitosas del panorama cinematográfico, sin embargo, pocos conocemos que antes fue publicitaria, labrándose un curriculum brillante en este sector, siendo directora creativa de la agencia JWT, donde entre sus ilustres clientes encontrábamos nombres como BMW, Renault o Ikea. Finalmente decidió que lo suyo eran el cine, y no los anuncios. 

Isabel Coixet se caracteriza por ser una persona muy crítica, directa y clara con ciertos temas sociales, como la brecha salarial, el independentismo catalán, o la situación en la que se encuentra el cine en España. 

Es reivindicadora como forma de vida, no tiene pelos en la lengua al momento de expresar sus ideas, defiende todo aquello en lo que cree, y así  lo demuestra en sus películas. Por ello, es una de las cineastas españolas más laureadas. 

En el collage que hemos realizado, y a continuación mostramos, intentamos plasmar todas aquello que definía su empoderamiento y el éxito que, gracias a trabajo duro, ha sido capaz de alcanzar. 

Collage Isabel Coixet